«Трудно писать о художнике, чье творческое становление и формирование своей особенной стилистики шло не на твоих глазах, чьи полотна не видел в экспозициях различных выставок в окружении картин других мастеров», – так начинает вступительную статью к каталогу выставки, проходившей в Саратовском государственном художественном музее им. А.Н. Радищева искусствовед Ефим Водонос. К этому можно добавить: трудно писать о художнике, о котором уже столько написано искусствоведами и коллегами-художниками. Тем более, что многие статьи объединены авторским проектом, проходящим в художественных музеях России – циклом персональных выставок «Магия пленэра. Пейзаж»,

Евгений Ромашко не случайный гость в Ставропольском музее. В 2006 году был осуществлен совместный проект Ставропольского краевого музея изобразительных искусств с Творческим Союзом художников России «Графические произведения старых и современных мастеров», одной из идей которого было возрождение интереса к рисунку и уникальным (ручным) техникам графики. Выставка состояла из двух разделов. В одном была показана графическая коллекция русских художников классического искусства из фондов музея, в экспозицию современного раздела вошли графические работы современных ставропольских мастеров и членов Творческого Союза из Москвы, Петербурга и других регионов России. Евгений Ромашко был представлен работами, выполненными в технике акварели: три натюрморта вошли в каталог и два листа, – тонкого настроения пейзаж «На берегу Мсты» (2002) и «Натюрморт со спичками» (2005), – в экспозицию. Работы обращали на себя внимание сложной техникой многослойной акварели (плотное многослойное письмо краской по сухой бумаге, позволяющее добиваться звучных цветовых контрастов, выразительного сочетания света и тени), не столь популярной в современном искусстве, а лучше сказать – сегодня почти забытой. И, если пейзаж выполнен в мягкой манере, с тающими в легкой дымке воздуха очертаниями, натюрморт, напротив, сохраняет жестковатый рисунок. Тщательность исполнения и строгий отбор предметов отсылает к традициям старых мастеров. По окончании работы выставки пейзаж «На берегу Мсты» и «Натюрморт со спичками» были переданы автором в дар музею.

«Совершенно уникальная часть творчества Евгения Ромашко – это его, так называемые, натюрморты-«обманки». И если пейзажи Евгения Ромашко – это лирика, новеллы, то натюрморты -«обманки» можно отнести к жанру эпоса. Ремесло – важнейшая часть искусства, и Е. Ромашко в натюрмортах-«обманках» достигает его в высшей степени». (Регина Незлобина, искусствовед).

Сегодняшний самостоятельный проект Евгения Викторовича – выставка живописных пейзажей, выполненных с натуры, на пленэре в течение последних трех лет. В основном это уголки средней полосы России и те страны, которые посетил художник.

Многими авторами, пишущими о Ромашко, не раз отмечены приверженность автора традициям русской реалистической живописи, преемственность и творческое продолжение поисков в искусстве художественных объединений начала прошлого столетия «Союза русских художников», московской школы живописи, влияние импрессионизма и творческих исканий шестидесятников. Все это справедливо, но, несомненно, и то, что автор нашел свой путь создания картины-пейзажа, соединив в нем качества натурного этюда с состоявшейся картиной. Живой подвижный мазок этюда, передающий свежее непосредственное восприятие действительности с одной стороны и композиционная выверенность, достаточно большой «выставочный» формат полотна с другой, позволяют создать вполне самостоятельную работу. При этом законченная картина не утрачивает известной камерности и особой доверительности, свойственных пленэрной живописи.

Авторская выставка позволяет рассматривать творчество художника в разных тематических и сюжетных вариациях. Здесь традиционные времена года и суток, и их переходные состояния. Может чуть-чуть с большим интересом к теме снега и увядания природы, но тем ярче воспринимаешь на их фоне летнюю роскошь разнотравья и весеннее цветение душистой сирени. Здесь традиционная смена настроений в природе. С небольшим приоритетом в легкое ненастье и пасмурность, и от того светлые утра и солнечные дни смотрятся еще звонче. Все это те самые маркеры, которые определяли русскую пейзажную живопись и в XIX веке, и ее развитие в XX. Как и обращение к вечным в русской живописи мотивам дорог, воды, неба. Их присутствие или отсутствие в картине несут многочисленные подтексты, наполняя живопись дополнительными смыслами и ассоциациями.

В пейзажах Ромашко – мир сотворенный человеком и мир природный. И, если последний может существовать самостоятельно, то городские виды (в особенности русская провинция) редко обходятся без живого присутствия деревьев, трав, кустарников. И, как правило, они не мешают друг другу, уживаются – архитектура и природа, они органично дополняют друг друга, – покосившийся домик и раскидистый куст сирени, пожухлая трава на еле заметной тропке, ведущей к старой скамейке, золотые купола церквей и колоколен, утопают в зелени или отцвечивают особым светом на фоне осенней листвы.

Выставка дает возможность еще раз обратиться к теме патриархальности и, неизбежно наступающей на нее урбанизации, можно говорить о суете мегаполиса и прелестях провинциального городка. Но гораздо интереснее смотреть, как художник выстраивает пространство картин, и от этого, как меняется наше восприятие: широкие панорамы и перспективы Москвы сменяются на тишину замкнутого дворика или укромный уголок в саду. Они прямо перед тобой, и ты внутри них. И то, что казалось огромным, – набережные, перекинутые через реку мосты, – вдруг становится маленьким, а покосившийся забор, неброский цветок, пышные заросли травы на переднем плане, – огромными. Картины «разрешают» входить в них, вживаться в их настроение, ощущать свет и воздух.

Еще одна из тем: «русское»-«нерусское». Евгений Викторович Ромашко художник путешествующий. Разные страны и разные части света, разные культурные и художественные традиции. Но и здесь он «свой». Художник проникается цветом и фактурой той страны или города, где находится. И это не просто рассудочное знание истории искусства, стилизация техники и традиционной манеры. У художника нет пристрастия к запутыванию – маскироваться под старину, воспроизвести характерный французский или скандинавский стиль. Это лишь верная передача того, что есть в культуре этой страны и то, что художник видит сегодня: исторические виды и памятники, современные улицы и ландшафты. Все это запечатлевается не взглядом туриста, настроенного на все самое «знаменитое», но художник вживается в колорит и атмосферу места, даже обращаясь к хрестоматийным, «знаковым» символам.

В «русском» пейзаже мазок фактурный, осязаемый, сложных цветовых замесов; им художник «лепит» форму, свет, воздух. Во «французском» мазок светлых чистых цветов быстрый и подвижный, легко меняющийся от прозрачного до плотного. В «скандинавском» – едва заметный, почти гладкий, серебрится изысканными переходами тонов и оттенков. «Китайские» пейзажи особые. Художнику удалось создать тонкую грань «восток-запад», где вполне органично сочетаются законы реалистического построения пространства, с принятым в восточном искусстве декоративно-плоскостным изображением, что дало право китайскому арт-критику справедливо определить Ромашко, как «самого креативного художника средних лет».

В этом своеобразная динамика Ромашко-живописца, динамика живописного перевоплощения: умение уловить особенности художественного языка и естественно принять его, не отказываясь от собственного почерка. В этом и определенный профессиональный романтизм: не бояться прослыть немодным, упорно работая в одном из самых разработанных в истории живописи жанров, отстаивать приоритет натурного этюда, – «магии пленэра». В этом личная и творческая свобода: изначально, дизайнер по образованию, художник откровенно наслаждается живописью, цветом – его эмоциями, энергией, пластикой. И пленэр, – как одна из возможностей, вести напрямую диалог с миром, окружающей природой; не фиксируя протокольно, но и не искажая действительность, честно переносить на холст свои ощущения от виденного, в красках создавая тот образ, который наполнен собственными искренними эмоциями и переживаниями.

"It's hard to write about the artist, whose creative development and the formation of his peculiar style was not for your eyes, whose paintings not seen in exhibitions of various exhibitions surrounded by paintings of other artists,"–so begins the introductory article to the catalogue of the exhibition in the Saratov state art Museum named after A. N. Radishchev art Efim Vodonos. Add to this: it is difficult to write about the artist, about whom so much has been written by art critics and fellow artists. Moreover, many articles are United by the author's project , held at the art museums of Russia– the cycle of personal exhibitions "the Magic of plein air. The landscape".

Evgeniy Romashko was not a random guest in the Stavropol Museum. In 2006 was implemented a joint project of Stavropol regional Museum of fine arts with the Creative Union of artists of Russia "Graphic works by old and modern masters," one of the ideas was to revive interest in the figure and unique (manual) techniques of graphics. The exhibition consisted of two sections. In one were shown graphic collection of Russian artists of classical art from the collections of the Museum, the exposition of the contemporary section includes drawings of modern Stavropol masters and members of the Creative Union of Moscow, St. Petersburg and other regions of Russia. Evgeniy Romashko was presented by the works performed in the technique of watercolor: three life paintings included in the catalog and two sheets, thin the mood landscape "On the banks of the Msta" (2002) and "still life with matches" (2005), – the exhibition. The works drew the attention of the difficult technique of multilayer watercolor (dense multi-layered letter paint on dry paper, to achieve sonorous color contrasts, expressive combinations of light and shade), not so popular in contemporary art, and it is better to say – today almost forgotten. And if the landscape is painted in a soft manner, with the light haze melting in the air shape, still life, by contrast, retains a harsh picture. The thoroughness and strict torpedoes refers to the traditions of the old masters. At the end of the exhibition landscape "On the banks of the Msta" and "still life with matches" was transferred by the author to the Museum.

"Absolutely unique piece of creativity Evgeniy Romashko is his so-called lifes-faux. And if scenery Evgeniy Romashko is poetry, short stories, still life -"dummy" can be attributed to the genre of epic. Craft is the most important part of art, and E. Romashko in still lifes-the faux it reaches the highest degree". (Regina Nezlobina, art historian).
Today's independent project of Evgeniy Viktorovich – the exhibition of paintings of landscapes made from nature, on plein air over the past three years. This is mainly parts of Central Russia and those countries visited by the artist.

Many authors, writing about Romashko, not once mentioned the author's adherence to the traditions of Russian realistic painting, continuity and a continuation of searches in the art of artistic unions of the last century "Union of Russian artists", the Moscow school of painting, the influence of impressionism and creative aspirations of the sixties. All this is true, but, of course, and the fact that the author found his way of painting-landscape, combining in him the qualities of the nature study with the established pattern. Live mobile brushstroke of the scene, sending a fresh direct perception of reality on the one hand and compositional consistency, enough "show" the format of the canvas on the other, allow you to create a fully independent work. While the finished painting does not lose known of intimacy and the special trust inherent in plein air painting.

Art exhibition allows us to consider the artist's work in different thematic and narrative variations. Here are typical times of day and year, and their transition conditions. Maybe a little with great interest to the topic of snow and the withering of nature, but the brighter perceived on the background of summer luxury of grass and spring blooms of fragrant lilac. Here is the traditional change of mood in nature. With a small priority in light and bad weather with slightly overcast and the bright mornings and Sunny days look even louder. All these are the markers that defined Russian landscape painting in the XIX century, and its development in the XX. As an appeal to the eternal in Russian painting the motifs of roads, water, sky. Their presence or absence in the picture are numerous subtexts, filling the painting with additional meanings and associations.

In Romashko’s landscapes – the world is created by man and the natural world. And, if the latter can exist independently, cityscapes (especially Russian province) rarely do without the living presence of trees, herbs, shrubs. And, as a rule, they do not interfere with each other, get along– architecture and nature, they organically complement each other, the rickety house and a sprawling lilac Bush, withered grass on the barely noticeable trail leading to the old bench, the Golden domes of churches and bell-towers, surrounded by greenery or otticial a special light on the background of autumn foliage.

The exhibition provides an opportunity to reiterate the theme of Patriarchy and attacking it is inevitable urbanization, we can talk about the hustle and bustle of the metropolis and the delights of a provincial town. But much more interesting to watch how the artist constructs the space of the paintings, and this changes our perception: wide panoramas and prospects of Moscow give way to the silence of a closed patio or a secluded corner in the garden. They are right in front of you, and you are inside them. And what seemed enormous, the quays, over the river bridges – suddenly becomes small, and rickety fence, inconspicuous flower, a lush field of grass in the foreground, is huge. Painting "allowed" to join them, to get used to their mood, to feel the light and air.

Also one of the themes: "Russian"-"non-Russian". Evgeniy Romashko artist traveling. Different countries and different parts of the world, different cultural and artistic traditions. But here it is " he is one of them". The artist is imbued with the color and texture of the country or city where he is located. And it's not just rational knowledge of art history, styling techniques and traditional manners. The artist is no addiction to obfuscation is to disguise myself as a chap, to reproduce the distinctive French or Scandinavian style. It's just a faithful transfer of what is in the culture of this country and what the artist sees today: historical views and monuments, modern street and landscapes. All this is imprinted not with the eyes of a tourist, is configured on all the "famous", but the artist get used to the flavor and the atmosphere of the place, even referring to a textbook, "symbolic" characters.

In the "Russian" landscape brushstroke textured, tangible, complex color mixing; they are an artist "sculpts" the form, light, and air. In the "French" smear light clean colors are quick and lively, easily changing from transparent to dense. In the "Nordic" – barely noticeable, almost smooth, silvery fine transitions of tones and shades. “Chinese” is scenery special. The artist managed to create a fine line of "East-West", where it combines the realistic laws of building space, taken in East art decorative dimensional image that gave the right of the Chinese art criticism fairly to determine Romashko, as "the creative artist's middle years."

In this kind of dynamics Romashko-painter, scenic dynamics of transformation: the ability to grasp the peculiarities of the artistic language and of course take it, without abandoning of own handwriting. In this and certain professional romanticism: not to be afraid of being branded unfashionable, working hard in one of the most developed in the history of painting genres, to defend the primacy of nature study, – "magic of nature". In this personal and creative freedom: initially, the designer by education, artist openly enjoys painting, color – emotions, energy, plastics. And the open air, – as one possibility, to make a direct dialogue with the world, the environment; not locking Protocol, but without distorting the reality, honestly, to transfer to canvas the sensations of vision, the colors creating the image that filled with their own sincere emotions and experiences.