Каждый художник, попадая во времена более старшего поколения, хочет установить свое место в нем. Постепенно приходит к выводу, что гораздо важнее высказаться по-своему. И достижения предшествующего времени нарастить своим постижением действительности. Е.В. Ромашко принадлежит к следующему за шестидесятниками поколению. Многое он воспринял от предшествующих или современных ему художников, но немало его личных достижений в пейзажном жанре.
В общих чертах о шестидесятниках можно сказать следующее. В их творчестве проснулся интерес к Северу, к поморью, старым русским поселениям, к обычному без пафосному бытованию людей периферийной России. Речь, естественно идет о пейзажном творчестве, ибо искусство шестидесятников проявлялось и в других жанрах, среди которых Великая Отечественная война 1941-1945 годов занимала особое место.
Посмотрим, как пейзажное творчество Ромашко соотносилось с искусством шестидесятников и что нового было внесено в искусство второй половины XX – начала XXI веков.
Евгений Ромашко родился в Запорожье в 1962 году. Ранние проявившиеся способности к изобразительному искусству привели его в Республиканскую художественную среднюю школу им. Т.Г.Шевченко, а затем в Московское высшее художественно - промышленное училище (б.Строгановское) – старейшее учебное заведение в области искусства, которое он окончил в 1985 году. С этого момента Ромашко обратился к изобразительному искусству, которым занимается по сей день.
Проследить эволюцию творчества художника оказалось весьма затруднительно. Если взять за основу тематику его произведений, то здесь нет никакой последовательности. Тема, к примеру, города, затронутая в начале творчества всплывает вдруг в конце целым городским направлением. А между началом и концом художник обращается совсем к другим темам. При этом следует отметить, что его подход к природе иногда не только разнообразил пейзажный жанр, но ставил его на грань перехода к другим жанрам. Тем не менее, живописная пластика его работ остается настолько целостной и индивидуальной, что отгадать творчество художника по почерку не представляет большого труда.
Между тем его тематический круг отличается большим разнообразием и вместе с тем целостностью художественного исполнения.
Устанавливать принцип произвольной последовательности рассмотрения материала тоже невозможно, ибо никакое развитие без логики провести нельзя. Поэтому начнем с некоторых ранних работ, а затем попробуем перейти к тематическим принципам творчества.
В 1985 году Ромашко окончил институт, а в 1997 году он пишет картину «Заброшенный храм». Такого композиционного строения до тех пор не замечалось – храм просматривается сквозь густые зимние ветви деревьев и кустарников. Это был прием, ставший для художника весьма характерным. В данном случае композиция оригинальна, но графично исполненные ветви не позволяют обнажаться колориту, ставшему вскоре одним из основных выразительных элементов картины.
Этот недочет вскоре преодолевается в небольшом этюде «Огород на даче под Запорожьем» (1998), где цветовое богатство трав, подсолнечников и кустарника выявлено в полной мере. Однако вроде бы принятое понятие «пейзаж», подразумевающее вид местности, в данном случае ограничивается ближним планом с густо разросшимися растениями. Таким образом, изображена не местность, как принято в пейзаже, а ее часть. В свое время известный русский историк искусства А.Федоров-Давыдов назвал такой подход к теме пейзажа – натюрмортным.
Его можно наблюдать у И.И.Шишкина и у О.Л. Лагоды-Шишкиной. Особенно прекрасный подобный пейзаж-натюрморт в картине «Сныть-трава» Шишкина. Лагода вообще не выходила за пределы пейзажно-натюрмортного подхода к теме.
Ромашко комбинировал эти приемы с еще большими находками. В результате рождался новый тип пейзажа, где на первый план выходят цветы, буйная растительность, густые травы, а сзади – принадлежность всего этого – крыша некого дома, едва видного сквозь цветущие заросли. Немало таковых работ: «Цветы в огороде» (2009), «Весна на даче» (2010), «На огородах» (2010), «Осенью на дачах» (2009), «На огороде» (2009). Во всех этих пейзажах следует отметить несколько моментов. Во-первых, необычайную красочность письма. Все написано в солнечный день, когда цвета становятся интенсивно яркими. Во-вторых, это легкое и импрессионистическое письмо, когда художник придерживается принципа «лови момент». Для этого достаточно сопоставить «Зацвела сирень» (2010), «Мамин сад зацвел» (2010), «Весна на даче» (2010) и др. с работами К.Моне «Сад в Монжероне» (1875-1876) или К.Сислея «Мороз в Лувесьенне» (1873). Сопоставление можно было бы проводить и дальше, но остановимся еще на одном родстве признаков с импрессионистами. Подобно последним, Ромашко пишет этюды, которые, по сути, являются завершенными картинами. Таким образом, этюды не служат материалом к созданию сложных картинных композиций. Всегда яркое первое впечатление оказывается достаточным, чтобы отразить его в произведении искусства. Возможно, поэтому этюдные композиции кажутся случайными. Но через случайное, в данной ситуации, видится если не общее, то наверняка характерное.
Импрессионистический метод письма сообщил работам движения, где мгновенность впечатления рождает ощущение жизненности. При этом импрессионистическим предпочтением Ромашко как бы засвечивал цвет. Особенно горячим воспринимался красный цвет («На огороде» - 2009, «Мамин сад зацвел» - 2010, «Весна на даче» - 2010, «Вечер» - 2011). При этом цвет создает настроение. Посему, кажется, что художника интересует не столько сюжет, сколько настроение, вызываемое природой. Акцент на переживание мотивов становится для Ромашко предпочтительным.
Первый план с буйным цветением полевых трав легко и не натружено перерастающим в дальнее пространство или сосредотачивающим внимание только на красоте виденного, долгое время остается любимым приемом художника.
В работе «Иван-чай» (2005) цветение первого плана преподносится на темном лесном фоне, что оттеняет красоты первого плана. В картине «Зреет рожь» (2005), напротив, первый план плавно переходит в средний, где нежные цвета желто-розовой ржи ограничиваются дальним перелеском зеленых кустистых деревьев.
Поиски выразительности – постоянный спутник творчества Ромашко. Поиски композиции – одна из задач художника в начале 2010-х годов. Иногда композиция сосредотачивается на фрагменте природы, как в картине «Лесная сказка» (2012). Сохраняя цветущий первый план, художник, суживает мотив обозрения далей фланкируемыми по обе стороны композиции деревьями. Такой подход не дает особого эффекта, но вместе с тем он обновляет композицию новой точкой обзора. Пока что прорыв первого плана не усиливает значение далей, так любимых всеми русскими художниками. Но постепенно Ромашко акцентирует внимание на горизонте, загадочно непостижимом и манящим («На берегу Днепра» - 2008).
Особое место в творчестве художника занимают работы, выполненные на Соловках. В сознании современников Соловецкий монастырь остается памятью о древней Руси, своеобразием ее архитектуры и особой самостоятельности и вольности в среде русских земель. Эти представления не могли затмить и годы, когда монастырь был превращен в концентрационный лагерь.
Естественно, что в круг интересов художника попал архитектурный комплекс, вызывающий в сознании зрителя воспоминания о великом наследии русской культуры. В его задачу входило показ монастыря с разных, эффектных сторон и с разной освещенностью, т.е. с соблюдением особенностей натурного видения, что давно принято называть «реалистической формой».
В работе «Соловки» (2008) монастырь представлен сказочной страной, где многоголовие церковных куполов создают своим ритмом впечатление неприступного города–крепости, освещенного радостным солнечным светом. Художник в этой композиции сохраняет ближний план с лодкой, вытащенной на берег. Этим самым подчеркивается мысль об обжитости монастыря, о присутствии в нем людей. Настроение оптимистичности окрашивает город-монастырь в целом и его детали в частности.
Не менее значительна картина «Ночью светло» (2008). Показана пристань и причаливающий к ней баркас. Это придает картине элемент бытования людей в монастыре. Пейзаж приближен к жанровому произведению. Картина примечательна очень точным и тонким живописным исполнением. Вода отражает дрожащие в ней монастырские стены и купола церквей. Прочувствованно, передано освещение белой ночи. Гармония цвета сообщает виду поэтическое толкование.
Картина «На святом острове» (2008) прописана несколько суховато. Тем не менее, художнику удалось передать монументальный характер монастыря, своего рода символ древнерусской архитектуры.
Постепенно Ромашко начинает «оживлять» замкнутую жизнь Соловков. Для этого он обращается к изображению двух церквушек, вынесенных за стены монастыря. Но одна из них - «Соловецкая часовня» (2008,) приятным белым цветом вносит диссонанс в суровые крепостные стены, рядом с которыми она находится. Другая - в картине «Соловки. Холодает» (2008), отнесенная на некоторое расстояние от крепостной башни прочитывается одиноким элементом, не имеющим отношения к монастырю. В этой картине существенно то, что художник говорит посредством иносказания, внушающим чувство одиночества, присущего человеку, посетившему этот суровый безлюдный край. Здесь художник больше «мыслит» чувствами, чем руководствуется стремлением зафиксировать натурную данность.
Много было сказано о роли первого плана в пейзажном творчестве Ромашко. В действительности не было преград для объединения всех планов в единое целое, хотя во многих работах первый план с буйной растительностью является единым целым в произведениях художника. Обаяние его работ зачастую заключено в том, что он природу воспринимает как единое целое, а растения порой беспредельно красивые украшают произведения своей красочностью. Причем художник вкладывает в картину не частный вид, а определенное понятие. Примером тому может служить картина «Русская земля» (2011). Красивые сиреневые цветы словно вводят зрителя в тему родной земли. Вдалеке видится характерная примета России – белая церковь с золотыми куполами. Еще дальше на горизонте простираются бескрайные просторы. Иными словами – все, что примечательно для русской земли.
Уменье Ромашко привлекать в картину все наиболее примечательное в пейзаже, сообщает художественному образу обаяние родной земли.
По такому же принципу обозревается пейзаж в картинах «Летний день» (2011), «Конец июня» (2011), «Цветущий июль», «Русская земля» (2012) и многое другое.
Просматривая обилие работ Ромашко, приходишь к заключению, что в его пейзажном творчестве не было неудач. Все картины засвечены каким-то теплым чувством, будто художник благодарит судьбу за то, что ему разрешено удивиться увиденным. Уделяя серьезное внимание оригинальности сюжетного построения, нельзя забывать, что Ромашко использует и традиционные для русского пейзажа мотивы. Это, прежде всего тема дороги, убегающей в неизведанную даль; реки, спокойно несущие свои воды; лесные массивы и всхолмленная земля, поросшая лесом. Но каждый раз художник наполняет сюжеты особым сочувствием и любовью к прекрасным видам. Примером может служить «Березовая роща» (2007). Спокойное течение реки, с дрожащим отражением деревьев, ясное небо рассматривается как благо, даруемое человеку.
Такое же ощущение мира видится в картинах «Жаркое лето» (2012), «Тихая заводь» (2012), «Раннее утро. Переславль» (2003), «Солнечный этюд» (2011), «Цветущий май» (2007), «Теплый август» (2011) и др. Во всех этих работах царит умиротворение, в некоторых из них ощутима благостность.
В общем и целом работы Ромашко отличает позитивное восприятие мира без тревог и драматических коллизий. Правда, есть «нерадостные», грустные работы, но их мало. «Проселок» (2005) извивами рисует дорогу, уходящую в леса. Сам колорит: светловато-серое небо и темный лес не внушает радости, но прописан необычайно тактично, играя на контрасте серого и темного зеленого цветов. Скромная гамма цвета вызывает грустное ощущение.
Такое же сочетание темного леса и светлого неба создает впечатление сумерек в картине «За поворотом деревня Почвино». Эти настроения продолжаются в работах: «Хмурый день», «Цветут одуванчики» (2004), «Сурепка цветет» (2001), «Начало зимы» (2003). И все-таки, в творчестве Ромашко превалируют другие настроения - более оптимистичные и радостные.
Поражает, что в обилие пейзажей у Ромашко трудно найти неудачные. Каждая его работа отличается высоко живописным тонусом, точной фиксацией переживания каким бы не был мотив работы - радостный или минорный.
И еще одно качество художника: предметом его искусства становится и частный вид, будто бы ничем не привлекательный, и широкая пейзажная перспектива. И в первом и во втором случае рождается образ не только достойный внимания, но привлекающий мастерством исполнения, без сомнения обладающим эстетическим качеством. («Куст у пруда» - 2004, «Трубеж. Лед сошел» - 2003, «Похолодало. Черемуха цветет», «Раннее утро. Переславль» - 2003 и т.д.). Это редкостная способность в малом и непримечательном увидеть большое и значительное. В изобразительном искусстве очень важно не только передать увиденное, но и обогатить образ, во многом подразумеваемыми смыслами.
Очевидно, Ромашко отдает себе отчет в том, что не каждое изображение является изобразительным искусством. Если бы не это понимание проблемы, то его «случайные» сюжеты не засвечивались бы таким обаятельным чувством прекрасного.
В творчестве Ромашко варьируются разные темы, каждая из которых имеет свой смысл. В одном случае глубокий, открывающий целую программу обозрения действительности, приводящую к целенаправленной системе оценок. В другом – сделанный как бы походя, но с желанием проникнуться сутью предшествующего искусства, к примеру, Парижа. В третьем, беглые зарисовки увиденного впервые и поразившие своей необычайностью, во всяком случае, с точки зрения художника.
Но главная тема, весьма распространенная в современном искусстве, это тема русской провинции, старых городков, сохранивших еще следы старой культуры, архитектурных памятников, образа жизни обитателей старинного русского города. Все это проведено не только в целях познавательного интереса, но главным образом сочувствия к уходящей старине; исчезающей культуре народа.
Как уже говорилось, старшее поколение художников более привлекало русский Север европейской его части, некогда колонизованный древним Новгородом. Ромашко решительно отдает предпочтение старой провинции, центральной его части. Чтобы создать атмосферу старого города, художник ставит во главу композиции храмовую или монастырскую архитектуру.
В картине «Предвкушение весны» (2011) монастырь главенствует над городом. В дальнейшем ни одна работа не обходится без церкви. Во многих произведениях русских и советских художников пейзаж также не обходился без церкви. В картинах советских художников церковь встречалась чаще, чем у дореволюционных. В этом таились свои причины. Данная работа имеет название, из которого видно, что художник был озабочен не столько изображением монастырей, сколько состоянием погоды, времени года и прочим, которые имели превалирующий смысл. В картине «Предвкушение весны» изображена грязная улица с оставшимися клочьями снега.
В работе «Наступило Рождество» (2013) пришла зима. Переданы заснеженные улицы, равно как в картине «Вид на Троице-Сергиев Варницкий монастырь под Ростовом» (2012) или «Вид на Троицкий монастырь» (2008) и «Храм в Холуе» (2004), где белая церковь отражается на поверхности реки и т.д. – все это представляется не просто пейзажем, а единым целым человеческим бытом. И в этом единении художник не совершает расчленения прекрасного с безобразным, или скажем помягче – с неэстетичным. В изображении малых городов, сохранивших старую культуру и старый быт, нет проблемы, где ставить акцент - на старом или на современном облике. Таким путем рождается целостный образ современности, пусть и не поспевающий за дикой «модернизацией» городов, но сохранивший изобразительно-живописный облик городков, как великую ценность, в которой отложилось историческое время. Несмотря ни на что, художник показывает, что периферия живет и обладает такими живописными потенциями, которые каждый раз открываются как художественная ценность.
К этому собственно и направлено внимание художника. Возьмем для начала зимние пейзажи. В картине «Вид на Троице-Сергиев Варницкий монастырь под Ростовом» (2012) снег прописан такими разнообразными оттенками, что вызывает восхищение не только точностью и правдивостью передачи натуры, но и способностью увидеть и уметь передать все разнообразие красок в форме цветовой гармонии.
Не менее замечательна - «Чистый понедельник» (2008), где больше разнообразных красок: голубой дом с красной крышей, рядом дом желтого цвета, за ним белая церковь и все это на фоне чистого голубого неба. Все цвета не противоречат друг другу, а выступают в целостной живописной гармонии.
В таком же ключе исполнена картина « Зимний день» (2013) и т.д.
Отмечая живописное мастерство художника, нельзя не заметить «идеологии», проводимой им. Ромашко явно восхищен гармонией старых русских городков, их чисто русским обликом, их непритязательностью и скромностью бытования на этой земле. В отличие от старшего поколения, Ромашко находит свой художественный образ, образ малой родины – старинных городков со специфическим жизненным укладом, особой живописностью, т.е. всем тем, что своеобразно переработано мыслью и цветом, отличным от подобной же тематики старых мастеров 19 века, впервые обратившихся к живописанию провинции.
Поразительно, как тонко сохраняет Ромашко смысл и облик не только изображенных церквей, домов улиц, но их внутренний смысл, из которого формируется образ жизни обитателей. Поэтому пейзаж живет своей внутренней жизнью, до которой потребно еще докопаться, что и делает художник. Только после этого можно говорить о реализме, о мотивах, технике письма.
В картинах Ромашко много деталей. Их нельзя не заметить. У кого-то другого детали торчали бы инородным телом. У Ромашко они вовлечены в художественную целостность. Без них образ был бы недостаточен. Причем образ содержит и смысл предмета изображения, в данном случае – город и его авторскую оценку. К такому умозаключению художник идет, казалось бы, странным образом: он пишет грязные улицы, распутицу, покосившиеся заборы и дряхлые избы. Но эти «неэстетичные» предметы Ромашко вписывает в общий план, где они звучат естественно, не нарушая эстетического вкуса. Получается это посредством цветовой согласованности, которая в целостном восприятии не расходится с художественным смыслом.
Такой смысл соблюден во многих картинах. Отметим некоторые из них. «Начало января» (2013)- дальний монастырь на возвышенности довлеет над рядами заснеженных домиков, огороженных покосившимися заборами. Бедность как бы противостоит торжествующему богатству. Картина явно имеет социальный оттенок. Он будто поглощается живописностью всего изображенного сюжета, благодаря чему произведение имеет характер искусства, в котором растворяется социальный мотив.
Отчетливость исполнения, живописность темы снимает все другие присутствующие в картине мотивы. Это относится к работам: «Середина зимы. Храм Сорока Севастийских мучеников в Переславле» (2012), «Уголок Нерехты» (2011) и др.
Иногда возникает мысль, что Ромашко сознательно избирает тему старого русского города как захолустья с грязными, непролазными улицами - «Провинция. Распутица» (2011), «Начало весны» (2007), «Распогодилось» (2008).
Необычайная правдивость названных сюжетов, где нет ни преувеличения, ни желания скрыть истинное состояние города, ни закамуфлировать непроходимую слякоть, говорит лишь о том, что Ромашко на пределе реализма повествует об открывшейся ему истине, которая носит и социальный, и живописный, и эмоциональный характер, и художник не хочет фальшивить. Отсюда истинный реалистичный взгляд на вещи. Этим методом в разных его проявлениях художник пользуется, выявляя сущность предмета изображения.
Состояние непогоды выразить по иному, как в картине «Дождик моросит» кажется невозможно. Намокший асфальт, расцвеченный разными оттенками, сумрачное небо гармонирует с цветом асфальтовой дороги, обрамленной темными деревьями. Все это состояние непогоды, измороси, вызывает зыбкое впечатление. И это, пожалуй, главное, к чему может стремиться художник, создавая картину на тему дождливого дня в провинциальном городе. Зритель должен испытать соответствующее эмоциональное настроение и тем самым включиться в переживание художника.
В подобном воздействии картины и проявляется реализм.
Каждая картина Ромашко – это переживание отобранного сюжета. Но в нем целое возникает из частного. Образ рисуется целостным эмоциональным состоянием переднего плана и перспективы. Так строится картина «Лужа» (1995). Что может быть в ней привлекательного? Как ни странно - наша обыденная жизнь. Лужа – среди грязной дороги. Пасмурный день корреспондирует с раскисшей землей. Но лужа сама по себе красива: в ней светится небо. Лесок справа прописан тактично и красиво. Дальний план содержит отблески солнца. Краски этого полотна гармоничны, ни одна из них не нарушает единства цвета. Это и есть реалистическое направление, вызывающее в данном случае состояние зыбкости и тревоги.
Удивительно как умело пишет Ромашко. Даже этюды разных цветов он использует для передачи сумбурного состояния погоды, когда это нужно («Провинция. Распутица -2011).
Отношение к этюду тоже особенное. Трудно отличить этюд от картины. Во всяком случае, художник пишет картину с натуры. А этюд, как подсобный материал оказывается без надобности.
Провинция открылась Ромашко не только в виде затрапезных городишек. В других вариантах она выступает как цветущий край, утопающий в роскошной зелени. И в этом тоже видится правда жизни, скрывающая от художника свою сущность.
Восприятие провинции заметно по тому, как художник пишет тихие улицы города. Дорога является стержнем композиции. Она «собирает» город и организует его пространства. Художник с тихой влюбленностью пишет главную «магистраль» города: «Колокольня в Нерехте» (2011), «Знакомая улица в Нерехте» (2011). Таким образом, Ромашко пишет город в пасмурном состоянии и в солнечный день. В любом варианте из-под кисти художника возникает не «частный случай», а выразительный и точный по восприятию образ провинциального города. Церковь – непременная деталь старины, но она в любом случае украшает городские перспективы. Найденный удачный композиционный прием, а по сути дела весь образ, можно определить понятием «тихая жизнь». Эта тихая провинциальная жизнь, как удачный художественный образ можно связать с любой погодой, с любым временем года. Зимой тон становится особенно красив: «Улица в Подоле» (2010), «Приморозило» (2013), «По дороге в Леонтьево» (2010). Обилие красок синего регистра, игра полутонов, особенно звучащих под солнцем, полная гармония цвета рождают наслаждения, как от природы, так и от ее интерпретации в равной мере.
В творчестве Ромашко дорого и то, что каким-то особым чутьем угадывает чисто русскую сюжетику, а через нее рождаемую тему русского бытия. Правда, немного забытого, но воскрешаемого в работах художника.
Сюжет с дорогой может быть заменен рекой, как в картине «Нерехта» (2011). Река в русском понимании – тоже дорога. Оживленная и спасительная в жизни. Разворот реки в «Нерехте» дает возможность построить иную композицию. Река – это не дорога вдаль. Своим полукругом она создает особое гибкое восприятие города, открывая характерные виды с церковью, а затем незаметно исчезая в неизвестном направлении.
Казалось бы, что можно обойтись без описания сюжетов, но как ни покажется странным, их толкование выявляет и переживание, и мотивацию картины художником.
Ромашко рассматривает городской пейзаж, мысленно конечно, будто продолжением природного пейзажа. Для него явно это одна и та же среда. Иначе и быть не может, старинные городки были тесно связаны с природой, несли в себе ее особенности. Около городской пейзаж как бы входил в отдаленный от нее город.
Ряд картин: «Цветущий июль» (2012) открывается богатейшим цветением розовых цветов, вдали на горизонте которых, виден монастырь. «Раннее утро. Переславль» (2003) – огромное поле с густыми кустами, растущими вдоль течения реки, заканчиваются монастырем. Еще плотнее подходит к городу природа с цветущими деревьями, вступив на городскую окраину в картине «Теплый август» (2011).
И уже окончательно природа покорила город в картинах: «В июле. Переславль» (2012), «Лето» (2012), «Старый дом в Нерехте» (2011), «Холодное лето» (2011), «Суздальский этюд» (2012), «Золотой октябрь» (2010), «В Переславле» (2012), «Летний день. Задворки» (2012), «Цветет сирень в Тетеринском» (2010) и еще многое другое. Такое содружество города и природы – специфическая черта провинциальных городков. Заметив это, Ромашко буквально опоэтизировал этот мотив.
Естественно, что подобное сочленение города и деревни интересно само по себе, как тема достойная осмысления. Но художник во всем этом изыскивает красоту, как один их важных компонентов искусства.
В картине «Плес в день рождения Левитана» (2004) Ромашко вводит необычное освещение, которое заурядный сюжет делает исключительным по цвету, наполняющим данный вид определенной таинственностью и загадочностью. Напряженная красота цветоотношений предвечернего света – свидетельство мастерства художника, преобразующего натуру натурным цветом.
Способность в повседневном увидеть необычное – редкостное дарование художника. По такому же принципу исполнена картина «Музей пейзажа в Плесе» (2004), где центром смысловой композиции становится белое здание. Оно отражается в воде. Его красная крыша контрастирует с голубым небом и противостоит окружающим деревьям темного тона. Цветовые акценты, поставленные художником, делают произведение живописно привлекательным.
Ромашко увлекается также роскошью природы, в которой утопают провинциальные городки. По виду городки напоминают большие села, и художник улавливает это сходство и различия. Роскошь проведена тактично, как картине «Золотой октябрь» (2010). Спокойствие природы застывшей в осенних деревнях становится главной эмоциональной интерпретацией темы.
Лиричная картина «Весна на Академичке» (2008) предстает местом, где практикуются художники. Место действительно примечательное. Прежде всего, оно лирично. Этому способствуют два обстоятельства: первое -натура, весенняя тонкость природы; второе - передача художником этого дивного состояния весны. Краски нежны. Они не грохочут и не звучат в полную силу. Краски лишь промечены. Они звучат тонким звуком или тают в дальней дымке. Писать зеленым по зеленому довольно трудно, но, если бледно-зеленый ложится на зеленый, то рождается красивый перелив красок. По контрасту с этим приемом, Ромашко вводит цвет еле колеблющейся темной воды, обрамленной коричнево-розовым цветом берега.
Владение цветом одна из сильных сторон художника. Поэзия красок сообщает изображению лирические интонации и в других работах: «Летний день. Задворки» (2012), «На мосту через Каменку» (2012), «Холодное лето» (2011), «В июле. Переславль» (2012), «Цветет сирень в Тетеринском» (2012), «Суздальский этюд» (2012), «Лето» (2012) и др. Банальный сюжет превращается в красочную картину бытия, благодаря разностороннему использованию цвета, рождающего такие спокойные, поэтические и лирические образы периферийного бытования.
Ромашко каждый раз меняет образ того городка, к которому обращено его внимание. Это необходимое условие, чтобы не было скучно. Дело в том, что Ромашко находит нечто сообразно отличное одного города от другого. Это не так просто, но хорошо проявляется в пейзажах Переславля. Город имеет свою специфику – озеро. Там улица представляет собой с одной стороны – дома, с другой – озеро с лодками.
Переславль писали многие художники и не безуспешно. Ромашко берет характерную для города особенность: лодки у причала. В искусстве, как известно, важно что изображать и как изобразить. В пейзаже с лодками художник обращает внимание на то, как изображены лодки у причала, в этом специфика Переславля. Живопись его не только разнообразна, но плотна и красива. Ни один цвет не «кричит», он подчинен общему освещению и поэтому предельно живописен. «Лодки на Трубеже» (2009), «В ожидании рыбалки» (2012), «На Трубеже» (2012).
Можно подумать, что пейзажист в своей работе находит удобную точку и крутится на ней. Повернулся направо – один удачный вид, повернулся налево – другой, повернулся назад и обомлел - как все здорово. В действительности художник делает долгий и раздумчивый выбор сюжетов. А в сознании его удерживается одна тема. Положим, в данном случае русская провинция. И надо найти наиболее характерные или образные ситуации. Иначе говоря, без поиска невозможно творчество. Обозревая искусство Ромашко, видим, что он постоянно в поиске. Он ищет не только характерный сюжет, и это есть, но главным образом настроение, переживание, вызванное данным сюжетом. Поэтому его работы так эмоциональны и чувствительны. В них нет философии, но есть поэзия и точка зрения на предмет своего изображения. Иными словами: натура начинает говорить с художником, и он улавливает ее интонации.
«Ветреный день» (2003). Темные синеватые облака помимо порыва создают настроение вечернего беспокойства, объединенного с порывистым ветром и полутьмой, опустившейся на городок.
В картине «Трубеж весной» (2013), полной движения растаявшей реки, перебора красочных домов и раскисшей земли, вызывает ощущения подвижности солнечного освещения, красочного мелькания, т.е. подвижного восприятия, связанного с состоянием весеннего дня.
Неожиданность - элемент тоже входящий в арсенал творчества художника. Картина «Зимой в Переславле» (2013) как будто повторяет аналогичные сюжеты. Тем не менее, меняется его восприятие. Здесь играет роль цвет, вернее его сопоставление, делающее весь вид и живописным и превосходным. Центром подобной выразительности становится почти черный бревенчатый дом, противопоставленный белому снегу и красивой расцвеченной колокольне. Этот контраст удивительно красив и примечателен. Иными словами: или сюжет диктует смысл, или художник по-своему переживает сюжет. В искусстве и тот и другой аспект правомочны. Собственно говоря, мотив исключительности не противоречил обобщению. Его исключительность могла стать характерным моментом для сущности зафиксированного мотива. Так можно рассматривать сюжет с грязной от тающего снега дорогой провинциального города, имеющего повсеместный для провинции смысл в картине «Распогодилось» (2008). Эта тема примечательна, кстати, и тем, что написана она очень сочно, естественно до физической ощутимости, не исключив при этом мотив живописности, т.е. признака искусства.
Рассматривая через провинциальные работы Ромашко, не возникает сомнения в национальной самоидентичности его восприятия текущей жизни.
Что касается вопроса, обходит ли художник заведомо красивые и живописные сюжеты, можно ответить отрицательно. Это видно как он вовлекает цвет в заведомо пасмурные картины. «Начало осени. Тополь пожелтел» (2006), «Середина зимы. Храм Сорока Севастийских художников» (2008). Еще явственнее эта тенденция проявилась в последующих его работах, когда красота проступает в произведениях художника тогда, когда он избирает прозаичный сюжет и делает из него истинное произведение искусства. Это касается серии картин, написанных в Коми. Работа «Важгорт. Потеплело» (2010) показывает, что хотя и потеплело, но все равно еще холодно. Этот замечательный период перехода из одного состояния в другое художник показывает с большим мастерством и наблюдательностью. Очень красивые дальние деревянные дома на фоне серого пасмурного неба. Не один цвет не кричит о себе. Все, включая подтаявший снег на дороге, представляет собой гармонию, позволяющую выразить сумрачные переживания погоды, что очень важно для пейзажного решения.
Напротив деревня «Кривой волок» (2013) преподнесена в более радостном, солнечном ключе. Снег представлен не белой массой, а зажжен синими и розоватыми оттенками. Деревня выглядит оптимистично. Столь же оптимистично звучит и бытовая сторона жизни людей, хотя условия не столь уж радостны. Такова же и интерпретация жизни, переданная через деревенский пейзаж в картинах «Старые дома в Важгорде» (2012), «Конец марта в Муфтюге» (2010) и др. Таким образом, мы видим, как пейзажный жанр все более смыкается с бытовой картиной. Это становится очевидно в картине «Морозный день» (2009), где на первом плане сушится белье, под ним выставлены рубленые дрова. Сарай и дома на фоне голубого неба придают сцене прямой намек на изменившуюся тему, что весьма существенно, ибо все изображение меняет смысл, оно свидетельствует не столько о пейзаже, сколько об образе жизни.
К этой теме примыкает обширная «тема лошади», которая является непременным атрибутом деревенской жизни. Известно, что из домашних животных лошадь и собака самые преданные друзья человека. Некоторые находят, что женщина тоже является другом человека. Возможно. Но вопрос этот требует тщательного исследования. Лошадь как непременная принадлежность крестьянской жизни встречается в произведениях Клодта, Серова, Коровина и др. Каждый художник трактует эту тему исходя из любви к лошади, ее соучастия в жизни крестьянина.
Ромашко посвятил этой теме по моим расчетам шестнадцать работ, в каждой из которых присутствует глубокая симпатия и сочувствие к лошади. Назовем эти работы: «Скоро зимник посыпется» (2010), «Ждет хозяина» (2013), «Огонек» (2013), «Сашин двор в Выльгорте» (2013), «На Севере. Погожий день» (2013), «На весеннем солнце» (2013), «На главной улице Важгорта» (2013), «Вернулся домой» (2013), «Манифин двор. Выльгорт» (2013), «Важгорт. Хорошая погода» (2013), «Коми. Солнечный день» (2010), «Мартовское солнце. Выльгорт» (2010), «Старинная кошовка» (2013), «Северная весна» (2013), «Важгорт. В ожидании свежего хлеба» (2010).
Конечно, в масштабе описания жизни малых городов и деревни, лошадь – это непременная принадлежность среды обитания человека, но у Ромашко помимо этой характеристики возникает тема человеческого отношения к своему другу – лошади. И это настроение преимущественно минорное и даже скорбное. Лошадь стоит и тоскливо ждет своего хозяина. Скорбное чувство одиночества живой души присутствует во всех изображениях. Лошадь, запряженная в сани, грустно ожидает своего хозяина, который отошел по делам или где-нибудь бухает. Понурая поза всех без исключения лошадей вызывает сочувствие к их одиночеству и невниманию человека. Это чувство не может преодолеть ни солнечное освещение, ни яркость красок.
Понятно, что художник не столько изображает лошадей с санями, сколько возбужден настроением печали, грусти и невнимания к живому существу. Таким образом, эта интерпретация сюжетного жанра, потому что главным «действующим лицом» становится не сюжет, а эмоциональное отношение к предмету изображения. Эта новая для искусства тема становится своего рода драматической поэмой о друге человека – лошади, являясь не только темой, но и внежанровым понятием.
Ромашко много путешествует, особенно по зарубежным странам, что для художника прямо-таки необходимо. Он неоднократно бывал во Франции, главным образом в Париже, Швеции, Черногории, Италии, Бельгии, Китае. От путешествий осталось много произведений, представляющий собственный интерес, но так же приобретен опыт освоения городских пейзажей, пригодившихся еще для одной творческой темы – город Москва.
Конечно, большое впечатление произвел Париж, позволивший научиться методу сопоставления различной пейзажной тематики. Но главное не это. Важно отметить специфику города, передать ее в привычной для его изображения стилистике. Ромашко как раз это делает. В работе «Старое кафе в Париже» (2010) он выбирает привычный сюжет – уличная траттория, и пишет ее беглым импрессионистическим письмом, отчего усиливается доподлинность, правдивость натурного вида. Тоже можно сказать о картине «Ночь. Кафе на Риволи» (2013). Вечернее кафе, блистающее огнями, прописано сложным цветом, то приглушенным, то возгорающим от уличного света. Живое мельтешение огней создает ощущение динамичного движения жизни города.
Столь же достоверно и художественно оформлено «У метро Сан Паул» (2010), где оживленный парижский бульвар наполнен всегдашней шумной толпой. Любой художник, попавший в Париж, старается запечатлеть его достопримечательности: Эйфелеву башню, Нотр Дам, Сену и пр. Ромашко следует этой традиции, но старается передать знакомые места в особом ракурсе, который еще не встречался. Так в работе «Мы в Париже» (2013) Эйфелева башня видна из заурядного переулка, а Нотр Дам представлен в ночном освещении. Задача трудная, но художник с ней справился.
Многие работы написаны как бы в стиле французского искусства определенного времени (импрессионизма), и это обстоятельство придает им особое обаяние: «Полдень на Сент Жармен» (2013), «Утреннее солнце» (2010), «Лето на Риволи» (2013), «Цветочный магазин на улице Эколе в Париже» (2013), «Радостный Париж» (2013), «Утро в Париже» (2010) и т.д.
Искусство всегда что-то утверждает и что-то опровергает. Оно размышляет. Результаты размышлений тоже могут быть разными. В работах Ромашко оно преимущественно позитивно. Художник старается выявить прекрасные стороны реальности. Это не становится преукрашением жизни. В серии провинциальных городков, он отмечает противоречивость их бытования. Для живописи важно не социальная или какая-либо другая оценка, а воплощение смысла художественным образом.
Путешествие Ромашко в Швецию окончилось тем, что он каждый раз пытается зафиксировать особенности пейзажа. Естественно это море и корабли. Но какой бы сюжет не был взят, каждый раз он имел оптимистично солнечный вид. Это позволяли сделать пейзаж живописным, играющим разнообразными цветами, сообщающими виду динамичный и красочный характер. Это, прежде всего пейзажи: «Весна в Стокгольме» (2013), «Яхты. Стокгольма» (2013), «Причал в Стокгольме» (2009), «Вена в Стокгольме» (2009) и др.
Национальный характер вида при этом вполне определенно выявлен. Способность художника увидеть в каждой стране нечто свое, особенное, а не просто бездумное переложение на холст избранного мотива, неизменна.
Гораздо более трудная задача встает при изображении южных стран Италии, Черногории, Бельгии, а также Китая.
Путешествие Ромашко по Черногории, видимо, коснулось моря, но не горной части, где много достопримечательностей, особенно Цетинье. Впрочем, в сюжетах Черногории море часто соединялось с горами, порождая удивительно привлекательные мотивы.
Основное, что можно отметить это красота сюжетов. Картины делятся на планы довольно традиционно. Первый - обжитой план, плавно переходящий в средний, а на третьем плане - красивые горы, синие в расселинах и в сложных коричневатых цветах на вершинах. Живые беглые домики с красивыми крышами оживляют пейзаж («В Черногории» - 2009). Похожие сюжеты с морской бухтой и парусниками: «Черногория. Знойный полдень» (2009), «Красавица Черногория» (2009), «Город в Которской бухте» (2009). Мне приходилось бывать в тех местах, могу подтвердить, что трудно не подвергнуться обаянию тех мест. Поэтому, видимо, прекрасные пейзажи становятся главным мотивом обозрения художника, к тому же достоверно переданным.
Понятно, что роскошь Юга: Италии, Сардинии не могла не привлечь внимания художника. Виды эти довольно разнообразны. Эффектен «Берег Тирренского моря» (2011) с бурными волнами, накатывающими на зеленый гористый берег. Картину, так же как предыдущую, оживляет динамичный ритм волн.
Более спокойная композиция «Зреют оливы» (2011). Здесь, как и в других работах, художник ищет необычную для него красоту и плененный ею старается передать ее прелести. Его отношение к незнакомому ему пейзажу двойственно. Он поражен его красотой и необычностью. Но есть побуждение сотворить образ, а не результат экскурсионных впечатлений.
Нельзя сказать, что Москву Ромашко показывает очень разнообразно. По сути дела его работы можно разделить на два вида: старая Москва и Москва относительно новая, современная.
Старая Москва уютная, интересная своей особенностью, неповторяющейся в других городах. Это тихие переулки и улицы, очень своеобразные и узнаваемые. К примеру, «Гоголевский бульвар в Москве» (2007) или «Российская Академия художеств» (2004) с приметами быта в виде неубранного уличного снега. Или вид на Москву сверху «Московский мотив» (2012) с открывающейся перспективой двухэтажных московских домов, застилаемых деревьями. Ощущение какой-то провинциальности заметно в картине «Вишня зацвела» (2002).
Отношение к Москве начинает меняться, когда художник пытается сочетать старое с новым - «Ипатьевский переулок» (2006). Гармония нарушается. Нарядная архитектура церкви 17 века явно затмевается бездушной архитектурой гостиницы «Россия». Картины Москвы заполняются эмоциональным отношением к вроде бы привычному виду. «Гоголевский бульвар» (2003) - с памятником Гоголю, который погружен в сумрачный тусклый свет непогоды, от чего становится соответствующим «настроению» памятника.
Москву Ромашко изображал современным городом, полным движения машин: «Зимой на Садовой» (2013), «Москва. Садовое кольцо» (2011), «По Москве» (2011), «По Новинскому бульвару» (2013) и др. Москва – это современный, полный движения, застроенный город, но никогда Ромашко не трактовал Москву как великий город.
Рассматривая творчество Ромашко, убеждаешься, как разросся в своем значении жанр |
每 一位画家都想在略长自己一辈的画家中找到自己的位置。渐渐地发现，最重要地是表达自己的思想。通过自己对现实的理解可以进一步丰富前人的成就。Е·В·罗 马什金属于下述的六十年代一代画家。他从年长一辈画家和当代画家中汲取了很多，但是其在风景画创作方面也有着不菲的个人成就。
六十年代一代画家的总体特点有一下几个方面：在他们的创作中表现出了对北方、对沿海地区、对古老的俄罗斯村落和普通的俄罗斯外省生活的兴趣。自然会谈及风景画创作，因为1941-1945年的伟大的卫国战争在六十年代一代画家的创作题材中占有特殊地位。
让我们试比较一下罗马什金的风景画创作与六十年代一代的画家相比有什么特点，他为20世纪下半叶和21世纪初的绘画艺术注入了哪些新的元素。
叶甫盖尼·罗马什金于1962年出生在扎波罗热。因为很早就表现出对造型艺术的天赋，所以罗马什金进入舍甫琴科国立艺术中学学习，之后进入莫斯科高等工业艺术学院学习（最古老的艺术院校），并于1985年毕业。自此之后，罗马什金一直从事造型艺术至今。
研 究艺术家的创作演变是很困难的。如果将他的创作主题作为研究基础的话，那么没有任何的连贯性。比如在其创作初期所涉及的城市题材画作就是在城市题材的大方 向下产生的。而在其后的创作中画家关注的完全是不同的主题。因此，应该指出的是有时他描绘自然的方法不仅仅丰富了风景画体裁，也使其处在向其它体裁过渡界 限上。他作品的造型美是如此的统一和富有个性，以至于根据风格来辨别画家的作品并非是一件难事儿。与此同时，他的画作题材丰富多样，艺术创作连贯统一。
毫无逻辑顺序地欣赏画作也是不可能的，因为没有逻辑是无法取得任何进展的。因此我们先来欣赏画家的一些早期作品，随后再尝试着过渡到创作的题材这一原则上来。
1985年罗马什金大学毕业，并在1997年开始创作画作《废弃的教堂》。直到现在这种独具一格的结构也很少见——透过冬日浓密的树枝和灌木丛可以清楚地看到教堂。画家的这种创作方法是十分典型的，并且艺术结构也具有独创性。这一点成为之后画作主要的表达元素之一。
这 一点不足很快就在一幅篇幅不大名为《在扎波罗热近郊别墅的菜园》的画作中得以克服。在这幅画中草地、向日葵和灌木丛的色彩被表现到了极致。但是似乎公认地 对风景画的理解是地方性风景，而这幅画作表现的是浓密且疯长中的植物的近景。因此表现的并不是风景画中公认地概念，即地方性风景，而是地方景色的一部分。 著名的俄罗斯艺术史学家曾将这种方法列入到风景画体裁中，称为静物画。
在И.И.希什金和О.Л.希什金娜的画作中也可以观察到这一手法。特别是 在希什金的风景静物画《羊角芹草》中。拉戈达的画作也完全没有超出风景静物画的题材范围。而罗马什金极为巧妙地将这些方法结合，创造了新的风景画类型。在 他的画中近景是花、茂盛的植物和浓密的草地，而透过繁盛的灌木丛可以若隐若现地看见屋顶。不乏这种类型的画作：《菜园里的花》（2009）、《春季的别 墅》（2010）、《菜园》（2010）、《秋季的别墅》（2009）、《菜园》（2009）。这些风景画作中应该指出以下几点：第一、色调极为艳丽。所 有的画作都是在晴天时，在色彩最艳丽的时候完成的。第二、画家坚持“捕捉瞬间”的原则，这些画作均属于印象创作。将《丁香花开了》（2010）、《妈妈的 花园开花了》（2010）、《春季的别墅》（2010）等等画作与莫奈的《蒙日龙花园》（1875—1876）或与西斯莱的《卢威西尼的严寒》 （1873）对比足以说明这一点。虽可以继续比较下去，但是我们还要关注另一个与印象派画家相似的特征。罗马什金所创作的写生素材实质上是完整的画作。因 此这些写生画并不是为了更为复杂的画作准备的素材。有了鲜明的第一印象，画家就可以进行进一步的创作。可能这些画作的结构看似偶然，但是正是因为这种非刻 意，才能体现画作的独特性。
印象派的绘画方法使画作具有运动性。瞬间的印象产生了真实的感受。倾向于印象派的罗马什金似乎“点亮”了色彩。他认为 红色是极为热情的颜色（《菜园》—2009、《妈妈的花园开花了》—2010、《春季的别墅》—2010、《夜晚》—2011）。所以色彩创造了心情。因 此，与其说使画家感兴趣的是题材，不如说是大自然带给他的心理感受。创作主题的所带来的感受对于罗马什金而言是更重要的。
近景长期以来都是画家喜爱的绘画方法：繁盛的田野中的草地或者只是关注眼前的美景。
作品《伊万和茶》（2005）中以幽暗的森林为背景衬托近景。在作品《黑麦成熟了》（2005）中近景平稳地过渡到了中景。远处绿色的灌树林映衬了麦子柔和的色彩。
罗 马什金一直都在追求创作的生动形象性。对于画作结构的探索是21世纪最初10年画家的任务之一。有时作品集中于自然中的一个片段，如作品《森林童话》 （2012）。保留了繁盛的近景，借助两旁的树木来缩小远方的视野范围。虽然这种创作方法没有产生特别的效果，但是与此同时画家创造出了自己新的绘画视 角。暂且近景方面的突破没有增强为俄罗斯画家所钟情的远景的表现力。逐渐地罗马什金开始关注神秘的、不可思议且吸引人的地平线（《在第聂伯河河岸》— 2008）。
在索洛韦茨基群岛完成的作品在作家的创作中占有特殊地位。在现代人的意识中索洛韦茨基修道院用其独特的建筑风格和在俄罗斯大地上独特的独立精神和自由精神保留着对古罗斯的记忆。即便在修道院沦为战俘营时，这些认识也无法被泯灭。
当然，那些能唤醒观者关于伟大俄罗斯文化遗产记忆的建筑群也在画家的兴趣范围内。画家的另一个任务就是从不同的角度、不同的效果和不同的色度来展示修道院，也就是遵循实景本身的特点。这种方法被称为“现实主义绘画表现形式”。
在 作品《斯洛维茨基》（2008）中修道院被描绘成童话般的国度。画家描绘了多个教堂穹顶，且在愉快的阳光下，画家按照自己的想法去塑造对这座难以攻破的城 市堡垒的印象。在这幅画中画家画了近景和一艘岸边的船。这正是表现出了关于修道院适宜居住和描绘在修道院中生活的人的思想。乐观的心情装点了整个修道院和 它局部的细节。
《夜晚的光亮》（2008）这幅画也有着重要的意义。画中描绘的是码头和停靠在码头旁的汽艇。这幅画值得注意的是其真实且精准的画功。水中倒映着修道院的墙和穹顶。色彩的协调使画作具有诗意般的情境。
在《在神圣的岛上》（2008）这幅作品中画家成功地传递了作为古俄罗斯建筑象征的修道院的雄伟。
渐 渐地罗马什金开始将封闭的索洛韦茨基的生活变得鲜活起来。为此他开始关注修道院外的两个小教堂。其中一幅画作是《索洛韦茨基的小礼堂》（2008），另一 幅是《索洛韦茨基日渐变冷》（2008）。但是在《索洛韦茨基的小礼堂》这幅画作中所选用的白色与小礼堂旁边阴沉沉闷的墙体不相协调。在另一幅画作《索洛 韦茨基日渐变冷》中与农奴塔楼的这段距离被认为是一种孤独的意象，这与修道院本身无关。在这幅作品中画家通过寓意表达了来到这片艰苦且人烟稀少的地区的人 孤独的情感。在这幅画中画家更多的是尊重自己的感受，而不是坚持遵循描绘客观现实性的原则。
上述我们已经谈及了很多近景在罗马什金风景画创作中的 作用。实际上将所有景象连为一个统一体并没有任何困难。虽然在很多作品中充满繁盛植物的近景就是画家作品中的统一整体。他的作品的魅力往往就在于此，他将 自然看作是一个统一的整体，而美丽的植物用其无尽的色彩装饰着整幅作品。况且画家画入作品中的不是局部的景色，而是某种特定的概念。比如在《俄罗斯大地》 （2011）这幅画中美丽的丁香花仿佛将观者带回了故乡的土地。在远处看到的都是典型的俄罗斯特征：白色的带有金色穹顶的教堂。在更远的地平线的方向还可 以看到无限的空间。换句话说，包含了值得关注的俄罗斯大地的一切。
罗马什金能够在作品中融入风景画中最值得关注的一切事物，使故土的魅力具有艺术性。
《夏日》（2011）、《六月末》（2011）、《盛开的七月》、《俄罗斯大地》（2012）和许多其它的作品中都体现了这一原则。
通 过大量地赏析罗马什金的作品，我们可以得出结论，他的风景画创作中没有失败。所有的作品都充满了温暖的情感，似乎画家在感谢命运可以让他观察到这么多令人 惊奇的景色。在关注罗马什金主题结构的原创性的同时，也不要忘记罗马什金运用的仍是俄罗斯风景画中传统的主题。首先是一望无际的道路、缓慢流淌的河水、林 间的大块空地和长满树的丘陵。但是每一次作家在创作时都会产生独特的共鸣和对美景的热爱。比如作品《白桦林》（2007）。平静的河水中倒映着摇曳的树， 晴朗的天空就像是馈赠给人类的幸福。
在《炎热的夏天》（2012）、《安静的小河》（2012）、《佩列斯拉夫尔的清晨》（2003）、《阳光明 媚的写生》（2011）、《盛开的五月》（2007）、《温暖的八月》（2011）等作品中也能感受到这一和谐的感觉。在这些作品中我们可以感受到平静， 在其它的一些作品中也可以体会到那种宁静的氛围。
总之，罗马什金作品的特点在于对世界积极的理解，画中没有不安，没有戏剧性的矛盾冲突。当然也有 像《不愉快的事儿》这种反映枯燥工作的作品，但是这类的作品很少。《乡间土道》（2005）中描绘了一条通往森林的曲折的路。作品的色调是淡灰色的天空和 幽暗的森林，这一切并没有带来快乐的感觉，但是描绘地很得当，灰色和深绿色形成强烈的反差。一系列不艳丽的色彩给人一种忧郁的感觉。
在作品《波季 维诺村的转角》中为了表现黄昏印象也使用了幽暗的森林和晴朗的天空这一色彩组合。在《阴暗的一天》、《盛开的蒲公英》（2004）、《山芥开花》 （2001）、《初冬》（2003）中都延续了这些心情。总之，在罗马什金的创作中占主导地位的是乐观且快乐的情绪。
令人惊讶的是在罗马什金的风景画创作中很少能找到失败的例子。他的每一幅作品的特点是极为绚丽的色彩和对心理感受的准确把握——快乐的心情或是忧郁的心情。
画 家的另一个特点是其创作的对象是局部的景色，似乎广阔的远景没有任何吸引力一样。在第一种和第二种情境中塑造的形象不仅值得关注，而且毫无疑问这些形象就 其绘画技巧而言也具有极强的审美性。（《池塘边的灌木》—2004、《雪融化了》—2003、《天气渐凉，稠李开花了》、《佩列斯拉夫尔的清晨》— 2003等等）。这是一种罕见的以小见大，从平凡中发现不平凡的能力。在造型艺术的创作中，重要的不仅仅是传达所见，更重要的是在很多方面通过合理的想象 对所塑造的形象进行丰富。
很明显，罗马什金进行了反思，知道不是每一幅画都是造型艺术品。如果不是意识到这一点，那么他的这些“偶然”之作就不会展示出如此大的魅力。
在罗马什金的创作中主题丰富多样，其中的每一种主题都表现出独特的思想。但是在俄罗斯艺术中最为普遍的是俄罗斯的外省、保留着古文化痕迹的古城、建筑物和古俄罗斯居民生活方式等主题。这些主题不仅仅是为了认知兴趣，最重要的是对远去的古文明和消失的民族文化的怜惜。
正如之前所言，老一辈的画家更关注俄罗斯欧洲部分的北方城市。罗马什金坚定地选择了古老的外省和它的中心。为了塑造好古城的氛围，画家将教堂和修道院的建筑作为主要结构内容。
在 作品《预见春天》（2011）中修道院统领了整座城市。之后的每一幅作品中都有教堂。在很多俄罗斯和苏联画家的作品中风景画也离不开教堂这一主要素材。在 苏联作家的画作中教堂这一素材比革命前更为常见。从这幅作品的名字可以看出，画家要表现的与其说是教堂本身，不如说是描写天气状况、四季等具有更为重要意 义的对象。在《预见春天》这幅画作中展现了一条留有残雪的泥泞的街道。
在《圣诞节来临》（2013）这幅作品中冬季来临。画中展示的是一条条被冰 雪覆盖的街道。这一景象在《罗斯托夫畔的圣三一谢尔基耶夫·瓦尔尼茨基修道院》（2012）、《圣三一修道院》（2008）和《霍利教堂》（2004）等 画作中也有所体现：画中白色的教堂倒映在湖的表面，所有的这一切表现的不仅仅是风景，而是人们日常生活中的统一整体。在这一统一整体中，画家并没有将美与 丑割裂开，或者说得略轻一些，是没有将美与不美割裂开。塑造这些保留有古文化和古老习俗的小城市，关注城市古老的或是现代的风貌这并不是问题。通过这种方 式塑造了一系列的野蛮“现代化”后的现代形象，同时也保存了过往留给这座城市的美丽的且具有重要价值的城市风貌。尽管如此，画家还是向我们展示了外省的生 活和外省的美景，且每一次这些景色都会带给我们不一样的艺术感受。
画家对此给予了特别的关注。以冬天的景色为例。在作品《罗斯托夫畔的圣三一谢尔 基耶夫·瓦尔尼茨基修道院的景色》（2012）中对雪的塑造十分真实，有各种各样的细微差别。令人赞叹的不仅仅是准确性以及表现自然的那种真实性，更重要 的是能够将所看到的各种各样的色彩和谐的统一起来。
《洁净的周一》（2008）是很重要的一幅作品。画中的色彩更为丰富：带有红房顶的天蓝色房 屋，旁边是黄色的小花，后面是白色的教堂，而这一切景物都是以蔚蓝色的天空为背景的。所有的色彩没有彼此矛盾冲突，而是达到了完美的统一与和谐。《冬日》 （2013）这幅作品也体现了色彩的协调统一。
谈到画家的风景画创作，不得不提到《意识形态》这幅作品。罗马什金懂得欣赏古老的俄罗斯城市的和谐 之美，欣赏其洁净的城市风貌和其朴素的风格。与老一辈画家不同，罗马什金寻找自己的艺术形象，对古老的且有生活特色的城市进行鲜明地形象地塑造。也就是说 用自己的独特的方法重新塑造这些思想与色彩，这与19世纪的一些老艺术家的类似主题（首先是外省主题）的作品有所区别。
令人惊奇的是罗马什金准确保存下来的不仅仅是其所塑造的教堂、街道旁的房屋的外观，也保留了其内在的含义。正是在这些含义的背景下描写居民的生活方式。因此，风景本身有其独特的内涵，这一点需要画家去深入挖掘。在此之后才能谈及现实主义，谈及主题和绘画技巧。
在 罗马什金的作品中有很多我们一定要关注的细节。可能在其他人看来这些细节是一些异类，但是罗马什金将其融入到艺术的统一整体中来。没有这些细节形象就是不 完整的。并且这些形象包含了所描写事物的内涵，在这种情况下，包含的是城市及对城市的评价。可以得出这样的推论，画家似乎塑造的是一些奇怪的事物：泥泞的 街道、放荡的女子、歪斜的栅栏和失修的小木屋。罗马什金将这些看似不美的东西加入到自己的作品中，使他们自然的融为一体，丝毫没有破坏美感。这种美与 “丑”的和谐是借助色彩的协调一致达到的。这一点与艺术思想也是分不开的。
这种思想在其它的一些作品中也有体现。我们从中选出一些来。《一月初》（2013），远处的教堂矗立在一排排被冰雪覆盖的栅栏歪斜的房屋后面。贫穷与富足形成强烈的反差。这幅画有一些社会意义。画家似乎热爱创作那些具有社会意义题材的作品。
和画作中其它的技巧相比，描写的准确性和主题的鲜艳色彩尤为突出。《冬至，佩列斯拉夫尔四十个谢瓦斯蒂受难者的教堂》（2012）、《涅列赫塔的角落》（2011）等作品属于这一类型。
罗马什金有时会出现这样的想法，他有意识地选择那些带有泥泞且难以通行街道的偏远的地方作为自己的主题。《外省，泥泞的道路》（2011）、《初春》（2007）、《放晴》（2008）。
画 家所描绘的事物具有非凡的真实性，画中没有丝毫的夸张，不想隐瞒城市的真实状况，也不想掩盖难以通行的泥泞，这一切都说明罗马什金坚持现实主义原则，且在 此基础上展现了他眼中的具有社会意义、炫丽色彩及情感特征的真实。画家不想说假话。因此以真实的现实主义的态度来看待事物。画家在不同的表现形式中运用这 一方法，揭示所塑造事物的本质特征。
在《毛毛雨》这幅画中描写阴雨天的方法也是别具一格的。潮湿且有细微色差的沥青、昏暗的天空与沥青路的色彩融 合且被幽暗的林荫路环绕。所有阴天的状态和雾气给人一种变化无常的印象。这也正是画家所追求的，塑造外省雨天的主题。欣赏者应该感受到相应的情感以及画家 本人的感受。
罗马什金的每一幅画都是对所选素材的切身感受。但是素材往往是从局部的事物中来，再看其整体。塑造这类的形象可以呈现出远景与近景情 感状态的整体性。《一汪水》（1995）就是这种结构。这幅画有哪些吸引人之处呢？不论感到多么的奇怪，这就是我们的日常生活。这个小水洼在泥泞的路中。 昏暗的天与泥泞的土地相符。但是小水洼本身就很美，水洼中映着天空。右边的小森林也很美且安排的恰到好处。远景是反射的阳光。这幅油画的色彩和谐，丝毫没 有打破色彩的统一。这也是一幅现实主义作品，在这种情况下表现了变化无常和担忧状态。
罗马什金的绘画天赋令人吃惊。在必要的情况下，他甚至可以用各种各样色彩来塑造昏暗的天气状况（外省，泥泞的道路—2011）。
他对待素材的态度也很特别，很难将素材与作品区分开。在任何情况下，画家都是参照实物作画。而作为辅助材料的素材似乎就没有必要了。
罗马什金表现的不仅仅是外省破旧的一面。在其它的画作中外省是被繁盛的绿色植物环绕且开满鲜花的地方。这也可以看出生活的真实性及生活的本质。
从 画家所描绘的城市的安静街道可以看出画家对外省的理解。路是画作的核心。路连接了整座城市，将其连为一体。画家带着他深沉的爱塑造着城市里主要的街道： 《涅列赫塔的钟楼》（2011）、《涅列赫塔的熟悉的街道》（2011）。用这种方式，罗马什金描绘着阴天和晴天中的城市。画家笔下的任何一个画作的产生 都不是偶然地，而是对外省小城准确地形象地塑造。教堂是不变的古老的细节，但是教堂无论何时都是在装饰着城市的远景。这一成功的构图方法的实质是通过“安 静生活”这一概念来塑造整体形象的。作为成功的艺术形象的安静的外省生活可以与任何一种天气，任何一个季节相联系。在冬季色调尤为美丽：《波多尔的街道》 （2010）、《日渐转凉》（2013）、《沿着列昂季耶夫大街》（2010）。大量的蓝色的色调和半色调的运用，特别是在阳光下，色彩完美的融合给人一 种赏心悦目的感觉。这种感觉来自对自然的欣赏，也来自画家对自然的诠释。
在路的主题中也能够发现河这一素材，如《涅列赫塔》（2011）。
罗马什金将城市风景看作是自然风景的延续。在他看来，它们是同一种环境。换句话说，古老的小城与自然紧密相连且独具特色。似乎这座城市的风景与远处那种城市的风景交融。
在《盛开的七月》（2012）等作品中画家描述了最为茂盛的玫瑰花田，在花田远方的地平线处有一座修道院。《佩列斯拉夫的清晨》（2003）展示了一大片浓密的沿河生长的灌木，尽头是一座修道院。《温暖的八月》（2011）中展示了城市郊区的繁茂的树木。
在 《七月的佩列斯拉夫尔》（2012）、《夏天》（2012）、《涅列赫塔的旧房子》（2011）、《冷冷的夏天》（2011）、《苏兹达里写生》 （2012）、《金色十月》（2010）、《在佩列斯拉夫尔》（2012）、《夏日，农舍后》（2012）、《捷列斯基盛开的丁香花》（2010）等作品 中自然最终都战胜了城市。城市与自然的完美结合也是外省小城的特色。发现了这一点，罗马什金实际上是进一步诗化这一主题。
自然，类似的城市与乡村的组合也很有趣，这一主题同样也值得思考。而画家也一直在探究这个重要的艺术元素的美。
在《列维坦生日那天的普廖斯》（2004）中，罗马什金引入了非同寻常的明暗分配的方法，赋予平凡的素材独特的色调且具有某些神秘的色彩。这是画家用自然的色彩描写自然的艺术手法的证明。
在 平凡的生活中发现不平凡——这是画家具备的罕见的天赋。《普廖斯的风景博物馆》（2004）这一作品就是按照这一原则完成的。这幅画的中心结构是一座白色 的房子且倒映在水中。它红色的屋顶与蔚蓝色的天空形成反差与周围暗色调的树形成对比。画家的色彩方面的侧重使画作更具吸引力。
罗马什金酷爱外省小城丰富多彩的大自然。这些小城使人想起一些大的村落，画家捕捉到了这些异同。在《金色十月》（2010）中色彩的把握是恰到好处的。秋天自然的静谧成为了该主题最好的情感诠释。
抒 情类的画作《科学院的春天》（2008）描绘的是画家们创作的地方。这个地方的确值得关注。首先，这里具有抒情性的特点。两个情景增加了抒情性：第一点是 实物本身，自然中春天的细腻，第二点是画家传达的不同寻常的春色。色调柔和。在绿色的背景上继续用绿色创作是很困难的，但是如果是在绿色的背景下用浅绿 色，那么就会产生美丽的变幻色彩。罗马什金采用这种方法描绘了闪动的水和岸边褐色—粉色的花。
色彩的运用是画家的强项。在《夏日，农舍后》 （2012）、《在石桥上》（2012）、《冷冷的夏天》（2011）、《佩列斯拉夫尔的七月》（2012）、《捷列斯基盛开的丁香花》（2012）、 《苏兹达里写生》（2012）、《夏天》（2012）等画作中诗意的色彩使画作具有抒情性的特点。通过充分地使用色彩，普通的素材变成了色调鲜艳的作品， 塑造了外省小城安静、诗意且具有抒情特点的生活方式。
罗马什金每一次都变换着他所关注的小城形象。这是为了不那么单调。事情在于，罗马什金能够发现一座城市与另一座城市的独特的区别。这并非易事，但是罗马什金在画作中很好的描写了佩列斯拉夫尔的景色。这座城市有自己的特色——湖。那里街道的一边是房屋，另一边是湖和船。
画 家描绘了很多佩列斯拉夫尔的景色，且这不是徒然。罗马什金选取了城市的特色作为素材：停靠在码头旁的船。众所周知，艺术中重要的是塑造什么和如何塑造。在 有船的风景中，画家关注的是如何塑造码头的船只，这也是佩列斯拉夫尔的特色。他的画不仅各不相同，而且色彩绚丽。其中没有一种颜色不鲜艳夺目，每一种色彩 都与整体色调融合统一，因此是极为美丽鲜艳的。《特鲁别日的船》（2009）、《期待捕鱼》（2012）和《在特鲁别日河上》（2012）。
可以 思考一下，风景画家在自己的创作中发现了适合的角度并围绕这一角度展开创作。向右转发现一个成功的景象，再向左转又是另一个美景，再向后看，惊呆了，全部 的景色都是那么美妙。的确，画家在素材的选择方面要花费一些时间，需要深思熟虑。而在他的意识中只坚持一个主题——俄罗斯外省。应该找到最典型、最形象的 情景。换句话说，没有寻找就没有创作。他寻找的不仅仅是典型的素材，更重要的是寻找这些素材带给他的心情和感受。画中没有哲学因素，但是有对自己想表达的 事物独特且富有诗意的观点和角度。换句话说，自然与画家对话，他能感觉到自然的色调。
在《多风的一天》（2003）这幅画作中，神秘的淡蓝色的云彩在一阵阵狂风过后营造了夜晚安静的氛围，一阵阵的狂风与昏暗笼罩着整座小城。
在作品《特鲁别日的春天（2013）》中融化的河流在流动，房屋色调鲜艳，还有泥泞的土地，这一切都带来了阳光下千变万化的明暗变化，闪闪发光。这也就对春天不同的理解。
出 乎意料性也是画家的创作素材之一。《冬季的佩列斯拉夫尔》（2013）中似乎也是在重复类似的主题。但是对这些主题的理解发生了变化。在这幅画中颜色，尤 其是颜色的对比起到了重要的作用，使整个景色绚丽多彩。黑色的原木屋基本上成为了表现的中心，白色的雪和多彩的钟楼与之形成对比。这种反差极为美丽。换句 话说，要么是素材反映思想，要么就是画家用自己的方式在感受这些素材。在艺术创造中每一个角度都是合理地。特别强调，独特性与总结概括性并不矛盾。它的独 特性可以用来定位画作主题本质的典型特点。《天已放晴》（2008）这幅作品中我们可以看到由于雪融化而泥泞不堪的外省小路，在外省主题的画作中具有普遍 性。这一主题是非常好的，所描绘的色彩十分鲜艳。
通过欣赏罗马什金的作品后，我们毫不怀疑他对现在生活的民族认同感。
谈及画家是否可以回 避美丽的色彩鲜艳的主题时，答案是否定的。这一点可以通过他如何在明显昏暗的景色中运用色彩而体现出来。《初秋，杨树变黄了》（2006）、《冬至，四十 个塞瓦斯蒂艺术家的殿堂》（2008）。这种趋势在他接下来的作品中也得以体现。当色彩融入画家的作品时，当他选择了一些平淡无奇的素材时，他是真正地在 进行艺术创作。这在他在科米创作的系列画作中得以体现。在《瓦日戈尔特，渐渐变暖》（2010）中，虽然天气渐渐变暖，但是还是一样的寒冷。在这个从一种 状态向另一种状态过度的美妙阶段，画家表现出了自己的艺术功底和极强的观察力。远方的木屋在灰色阴沉的天空的衬托下极为美丽。没有一种色彩不鲜艳夺目。所 有的事物，包括路上融化的雪都是和谐的，表达着对天气状况的忧愁的感受，这一点色彩的描绘是十分重要的。
相反在《弯曲的连水陆路》（2013）中 体现了更为欢快明媚的色调。不是大片大片白色的雪，而是用蓝色和淡粉色作辅助颜色进行补充。乡村看起来充满了乐观的气氛。人们的日常生活看起来是如此的欢 乐，虽然现实条件并没有这么乐观。在《瓦日戈尔特的老房子》（2012）、《穆富图克的三月末》（2010）等画作中通过对乡村景色的描写来诠释生活。为 此我们可以看出风景画的题材越来越多地与生活相联系。这在《寒冷的一天》（2009）中得到明显的体现，画中的近景晾着衣服，下面摆放着砍好的木柴。棚子 和房屋在蔚蓝色的天空下使整个场景富有变化性，因为所有塑造的画面的意义在变化。这一点与其说是反映风景，不如说是反映生活方式。
“马”也成为乡 村主题不可或缺的元素。要知道，在所有的家畜中马和狗是人类最为忠诚的朋友。这是可能的。但是这个问题需要认真的分析研究。马作为农民生活中必不可少的家 畜出现在克洛特、谢罗夫、戈洛温等画家的作品中。每一位画家都出于对马的喜爱而进行创作的，马是农民生活中的参与者。据我统计罗马什金有16幅作品中有马 的形象，其中每一幅都能看出画家对马深深的喜爱之情。如下列作品：《很快被开辟的冬季的道路》（2010）、《女主人在等待》（2013）、《星火》 （2013）、《萨沙在维利戈尔特的小院》（2013）、《在北方，晴朗的一天》（2013）、《春日的太阳》（2013）、《瓦日戈尔特的主街》 （2013）、《回家》（2013）、《马尼的小院，维利戈尔特》、《瓦日戈尔特晴朗的一天》（2013）、《科米，阳光明媚的一天》（2010）、《三 月的太阳，瓦日戈尔特》（2010）、《旧式雪橇》（2013）、《北方的春天》（2013）、《瓦日戈尔特，等待新鲜的面包》（2010）。
当 然，在大量的小城和乡村生活的描写中，马是人类生存环境中不可或缺的一部分。但是罗马什金并没有表达这一特点，而是表现人对自己的朋友——马的态度。而这 种情绪是很悲伤的，甚至是悲痛的。马忧伤地等待着自己的主人。这种忧伤的孤独感在很多作品中得以体现。被套在雪橇上的马忧伤地等待着自己因事离开或者去某 处劳作的主人。垂着头的马引发了人们对其孤独感和人类对其漠视的同情。这种情感是阳光明媚的色彩和鲜艳的色调所不能掌握地。
显然，与其说画家塑造 的是拉着雪橇的马，不如说是塑造因人们对马漠视态度而产生的忧伤的情感。因此，这是对主题内容的诠释，因为主要塑造的不是主题内容本身，而表现的是对所塑 造物体的情感。这一新型的艺术主题成为塑造人类的朋友——马的戏剧性的史诗，这不仅仅是主题，而且也是题材外的概念。
罗马什金游历过很多地方，特别是国外，这之于画家是必要的。他多次去过法国（主要是在巴黎）、瑞典、黑山、意大利、比利时和中国。游历过程中他创作了很多作品，同时也积累了塑造城市风景的经验，这有益于他的另一个创作主题——对莫斯科的塑造。
当 然，巴黎给罗马什金留下了极为深刻的印象，帮助他对比不同题材的风景画主题。但是这并非是最重要的。重要的是用画家本人熟悉的风格来表现城市的特点。罗马 什金就是这样做的。在作品《巴黎的老咖啡馆》（2010）中他选择了熟悉的素材——街上的饭店，并在瞬间印象的基础上进行创作，这加强了实物景色的真实 性。在画作《夜晚，里沃利的咖啡馆》（2013）中也体现了这一点。用复杂的色彩塑造闪着亮光的傍晚的咖啡馆，光时明时暗。跳动的火光营造了城市生活的动 态感。
如此真实地艺术地描绘了《圣保罗旁的地铁》（2010）这幅作品。画中描写了热闹的巴黎林荫路上永远熙熙攘攘的人群。每一个到巴黎的画家都 努力地表现当地的名胜古迹：埃菲尔铁塔、巴黎圣母院、塞纳河等等。罗马什金也遵循了这一传统，但是他尽力从一个全新的角度来塑造这些熟悉的地方。在《我们 在巴黎》（2013）这幅作品中塑造了一个从平常小巷里看到的埃菲尔铁塔，而巴黎圣母院则是在夜晚塑造的。虽然这样的任务很困难，但是画家做到了。
很 多作品似乎在某一法国艺术时期的风格下完成的（印象主义），而这一特点赋予了作品特殊的魅力：《圣母院的正午》（2013）、《早晨的太阳》 （2010）、《里沃利的夏天》（2013）、《巴黎艾科拉街道上的花店》（2013）、《愉快的巴黎》（2013）、《巴黎的早晨》（2010）等等。
艺 术总是在证明着什么，又在推翻着什么。艺术在思考。思考的结果也是不同的。在罗马什金的作品中艺术总是正面地积极地。画家努力地表现现实中美好的一面。但 这并不意味着过多的粉饰生活。在他的系列外省题材的画作中，他描绘了外省的生活。对于绘画作品而言重要的不是社会或者是某种其它的评价，重要的是艺术作品 本身所体现出的思想。
罗马什金游历瑞典时，他每一次都试图去描绘景色独特的一面。自然是大海与船只。但是无论他选取什么样的素材，每一次他都能够 描绘出积极乐观的阳光明媚的景色。通过使用不同的色彩使风景绚丽多彩，并赋予景色以动感绚丽的色彩。首先是这些景色：《斯德哥尔摩的春天》（2013）、 《斯德哥尔摩的汽艇》（2013）、《斯德哥尔摩的码头》（2009）、《北方威尼斯，斯德哥尔摩》（2009）等等。
景色的民族特点被完全表现出来。画家有能力去发现每一个国家独特的事物，而不是简单的轻率的在画布上重复过往的主题。
更困难的任务是塑造意大利南方的城市、黑山、比利时和中国。
罗马什金在黑山写生时涉及到了大海，但是没有涉及到本身名胜古迹较多的山体，尤其是在采蒂涅。不过，在黑山的素材中经常是山水相连，这是一种令人惊奇的且有吸引力的主题。
主 要任务是发现这些素材的美。画的布局十分传统。近景是人类居住的地方，自然过渡到中景，随后是远景——美丽的峡谷间蓝色的山和山顶淡褐色的花朵。生动的红 顶小房子使景色鲜活起来（《在黑山》—2009）。相似的素材有海湾和帆船：《黑山酷热的晌午》（2009）、《黑山的美女》（2009）、《科托尔湾的 城市》（2009）。我曾多次去过这些地方，可以证明这些地方具有难以抗拒的魅力。因此，可见美丽的风景成为了画家重要的主题，更进一步说画家真实地表达 了这一主题。
显然，意大利南方的景色及撒丁岛的景色不能不引起画家的关注。这里的景色是各种各样的。伴随着巨浪和绿色多山的海岸，画作《第勒尼安海海岸》（2011）给人以深刻的印象。动感的海浪使其与之前的画作一样鲜活。
《橄榄树成熟了》（2011）这幅画作的构图更为和谐。和其它的画作一样，画家寻找其不同寻常的美并努力传达它迷人的魅力。画家对待他不熟悉的地方的态度是双重地。他惊讶于他的美和不同寻常，但是他有冲动去塑造这一美景，而不是描绘游览的印象。
绝对不能说罗马什金展现了多种多样的莫斯科。其画作就其本质而言可以划分成两类：老莫斯科和相对新且现代的莫斯科。
老 莫斯科舒适、有趣且有特色，是其它城市所无法比拟的。这是一些十分独特而又十分熟悉的小巷和街道。例如：《莫斯科的果戈理林荫路》（2007）或伴有日常 生活场景即未清雪街道的《俄罗斯艺术科学院》（2004）。或者是画作《莫斯科主题》（2012），俯瞰莫斯科远处的二层小楼，房子周围被树环绕着。在 《樱桃树开花了》（2002）这幅画作中可以明显地感觉到外省的气氛。
当画家尝试着将新旧莫斯科结合的时候，他对莫斯科的态度发生了改变——《伊 帕季耶夫的小巷》（2006）。和谐被打破。华丽的17世纪的教堂使无生气的《俄罗斯》饭店黯然失色。莫斯科主题的画作中充满了画家对其所熟知的环境情 感。《果戈理林荫路》（2003），画中有果戈理的纪念碑，所描绘的是一个昏暗的阴雨天。这样的天气似乎也表达了纪念碑相应的“心情”。
罗马什金塑造的莫斯科是一座现代的车流涌动的城市：《冬季的萨达沃》（2013）、《萨达沃，莫斯科》（2011）、《游莫斯科》（2011）、《漫游诺温斯基林荫路》（2013）等等。莫斯科是现代的充满动感的城市，但是罗马什金从未将它看作是“伟大的”城市。
欣赏完罗马什金的作品，可以确定风景画将会如何发展。它已经超越了自身的界限。风景画不仅仅停留在塑造城市、乡村、森林和海洋这些景色上，它的意义更广泛。它是人类社会生活的艺术。 |